Из-под церковных сводов — в светские дворцы
После Ренессанса музыка, как и другие виды искусства, вступает в период, называемый барокко. Это название произошло от итальянского выражения «perola barocca» — «жемчужина неправильной формы». И в этом есть определенная логика: формы от простых и прямолинейных переходят к сложным и вычурным, и именно они считаются теперь красивыми.
Изображение Гвидо д’Ареццо в рукописи из монастыря близ Аугсбурга, около 1100 года
По мере того как церковь начинает уступать часть прежде почти безраздельно принадлежавшей ей власти правителям светским, главным заказчиком музыкальных произведений становится знать. А это означает, что музыка уже является не языком общения с Богом, а развлечением для богатых.
Период барокко охватывает около полутора столетий — с 1600 по 1750 годы. Именно в это время Жан-Батист Люлли, придворный музыкант короля Людовика XIV, вводит новшества в оркестровую музыку, создавая первые подобия современных симфонических оркестров. Арканджело Корелли закладывает основы так называемого большого концерта — музыкального произведения, в котором оркестр делится на две части по группам инструментов и поочередно исполняет партии.
Антонио Вивальди, автор знаменитых «Времен года», считающихся одним из шедевров классической музыки, пишет более пятисот концертов, Иоганн Себастьян Бах создает свои лучшие органные произведения, Георг Фридрих Гендель, родившийся в Германии, пишет для королевского дома Великобритании великие оперы и становится олицетворением как немецкой, так и английской музыки.
Людвиг ван Бетховен (16 декабря 1770 г. — 26 марта 1827 г.) — немецкий композитор и пианист, представитель венской классической школы, один из наиболее исполняемых композиторов в мире
Период барокко — это время перехода музыки в плоскость светской традиции и рождения множества новых жанров.
Особенности восточной музыки
В восточной музыке можно увидеть воплощение идей двух мировых религий: буддизма, возникшего в Древней Индии, и синтоизма, основанного на анимистических верованиях и являющегося политеистической религией Японии. Их общая направленность ― преклонение перед природой, передача духовного состояния человека.
Музыкальная культура Китая
Музыкальные традиции как таковые в Китае существуют уже несколько тысячелетий: игра на инструментах, песни, танцы, всегда имели огромное значение в жизни этого народа. Даже слова «музыка» и «красота» у китайцев обозначаются одним иероглифом.
Национальные китайские музыкальные инструменты, в зависимости от материала, из которого они изготовлены, подразделяются на:
- деревянные,
- бамбуковые,
- металлические,
- кожаные,
- тыквенные,
- глиняные,
- каменные,
- шелковые (из шелка у них сделаны струны).
Традиционная китайская музыка имеет яркие, отличающие ее от фольклора других стран, черты: преимущественно одноголосное исполнение, преобладание созерцательных настроений над действием, а также необычная ладовая организация: диатоническая (семиступенная) гамма и хроматический звукоряд из 12 звуков.
Японская национальная музыка
По причине изолированности этой островной страны японская народная музыка ― явление довольно самобытное. Среди ее особенностей можно выделить:
- Преобладание вокала, который составляет 90% всех произведений.
- Умеренную силу звука. Эффект достигается за счет тонкого регулирования одного звукового оттенка, а не за счет чередования forte и piano.
- Приближение к звукам природы – шуму дождя, ветра, течению воды.
- Часто изменяющийся ритм и темп.
- Необычные для европейского слуха интервалы.
Национальными японскими музыкальными инструментами считаются:
- Фуэ ― семейство бамбуковых флейт;
- Сямисен ― небольшой трехструнный щипковый инструмент;
- Тайко ― большой «пузатый» барабан.
- Суйкинкуцу ― кувшин с отверстиями, над которым течет вода. Попадая внутрь кувшина, вода заставляет его звучать, как колокольчик.
Особенности индийской музыки
Музыка Индии является одним из значимых компонентов общемировой культуры. Народные музыкальные традиции Индии разнообразны и включают фольклор, эстрадную и классическую музыку. Основой любой из этих разновидностей, будь то религиозная музыка Средневековья или современные песни, служит воздействие на внутренний мир человека.
Индийские музыкальные композиции отличаются мелодичностью и великолепным ритмом, завораживают и погружают в состояние, подобное трансу.
Эффект достигается за счет использования особых этнических музыкальных инструментов, таких как:
- Думбек (дарбука) ― небольшой барабан с неопределенной высотой звучания;
- Зурна ― деревянный духовой инструмент, который представляет собой трубку с несколькими отверстиями и раструбом;
- Бансури ― бамбуковая флейта;
- Ситар и сарод ― струнно-щипковые инструменты из семейства лютневых;
- Cаранги ― струнный смычковый инструмент;
- Табла ― небольшой парный барабан;
- Поющие чаши ― древний музыкальный инструмент из группы колоколов, изготовленный из сплава нескольких металлов.
1874
В Вене Иоганн Штраус-младший пишет оперетту «Летучая мышь»
Титульный лист газеты Die Bombe, в которой была опубликована рецензия на «Летучую мышь». 12 апреля 1874 года
И по сей день «Летучая мышь» — самая известная оперетта в мире. Таким образом, в результате активной конкуренции европейская пальма первенства в области легкого музыкального театра уходит из Парижа в Вену. Основой венской оперетты становятся вальс и полька, танцы австро-венгерского происхождения, уже достаточно разработанные к тому времени в творчестве отца и сына Штраусов. (И отец, и сын работали на придворных должностях, обслуживая австрийских императоров Фердинанда I и Франца Иосифа I, а также много работали за границей, в частности в Лондоне, Петербурге, сделав венский вальс международным танцевальным стандартом.)
С последней трети XIX века и вплоть до 1930-х годов оперетты, сочиненные в Вене, Будапеште (Имре Кальман) и Берлине (Пауль Линке, Вальтер Колло) практически не меняют своего облика, но неизменно становятся хитами мирового музыкального театра. Кстати, слово «шлягер» родом из Вены тех времен.
Фрагменты оперетты «Летучая мышь» в Opera Australia
Русские композиторы первой половины XIX века
Изучая историю русской музыки, специалисты подразделяют XIX век на две половины. В первой половине XIX века русская музыкальная культура обогатилась национальной музыкальной школой. В данном случае, прежде всего, следует выделить А. Алябьева, чье произведение «Соловей» известно по всему миру. Композитор оставил существенный след в истории русской музыкальной культуры начала XIX века или, так называемой, доглинковской эпохе.
Замечание 1
Среди других произведений А. Алябьева также известны «Вечерний звон», «Я Вас любил» и «Зимняя дорога»
Основоположником русской классической музыки по праву считают М. Глинку. Благодаря ему зародились следующие два направления:
- музыкальная народная драма,
- сказочно-эпическая опера.
По мнению М. Глинки, именно народ создает музыку, а композитор – это всего лишь аранжировщик. В произведениях М. Глинки звучат истинно русские мелодии, выражающие чаяния русского народа. В его знаменитой опере «Жизнь за царя», или «Иван Сусанин» впервые главным действующим лицом стал простой крестьянин-патриот. Опера «Руслан и Людмила» наполнена сценами из быта Древней Руси, а также сказками Востока.
Замечание 2
М. Глинка создал множество романсов на стихи знаменитых русских поэтов, среди которых и В. Жуковский, и Е. Баратынский, и М. Лермонтов
Творчество А. Даргомыжского во многом перекликается с творчеством М. Глинки. Тем не менее, А. Даргомыжский усилил в русской классической музыке реализм. Он создал первую народно-бытовую музыкальную оперу-драму «Русалка», в которой перед миром предстал образ мельника – маленького человека, пробуждающего в каждом слушателе сочувствие. Романсы и песни А. Даргомыжского пронизаны сложными душевными противоречиями, отражают социальные проблемы всего русского общества.
Нужна помощь преподавателя?
Опиши задание — и наши эксперты тебе помогут!
Описать задание
Так, в середине XIX века уже можно было говорить о полностью оформившихся русских традициях реализма в музыкальном искусстве. Русская культура становилась все популярнее в мире, а ее музыкальные образы усваивались мировой культурой.
1828
В США появляется песня Томаса Дартмута Райса «Джим Кроу»
Обложка партитуры музыки «Менестрелей из Вирджинии» — знаменитых негритянских мелодий, адаптированных для фортепиано Томасом Комером.
1843 год
Имя персонажа этой песни на долгое время стало нарицательным для чернокожего раба, а появление этого музыкального номера спровоцировало подъем интереса к «менестрельному театру» (minstrel show), где белые актеры пародировали негров (именно менестрельный театр стал источником всех стереотипных шуток на негритянскую тему). Одновременно с этим синкопированная Синкопа — (греч. synkope — сокращение) смещение музыкального ударения с сильной (ударяемой) доли такта на слабую. музыка менестрелей, характерные мелодические обороты способствовали привлечению публики к подлинному музыкальному творчеству чернокожих. Естественно, к средневековым менестрелям Менестрели — профессиональные певцы, исполнители на музыкальных инструментах и часто актеры, носители светской культуры Cредневековья и Раннего Возрождения, работавшие при дворах крупных феодалов.американские «менестрели» не имели никакого отношения, а получили свое название по весьма популярному коллективу, выступавшему в Нью-Йорке под управлением Дэна Эмметта с 1843 года, «Менестрели из Вирджинии».
«Менестрели из Джорджии»: Джеймс Макинтайр и Томас Хит. 1912 год
В Америке, не имевшей собственной культуры оперного театра, как Европа, minstrel show пережило отмену рабства и даже Первую мировую войну; именно этот тип музыкально-театрального представления увековечил Дебюсси в своей прелюдии «Менестрели» и Джером Керн с Оскаром Хаммерстайном в знаменитом мюзикле «Плавучий театр». Джаз и мюзикл впоследствии вытеснили менестрелей со сцены, но именно они заложили основу современной американской массовой культуры.
Текст песни «Джим Кроу»
Реконструкция (1941) танца и песенки Джима Кроу в том виде, в котором они исполнялись Томасом Дартмутом Райсом Песня Дэна Эмметта «De Boatman’s Dance» (1843), ведущий вокалист Peter DiSante Прелюдия «Менестрели» Клода Дебюсси в исполнении Артура Рубинштейна (1953)
1815 год
Изобретение метронома
Метроном Иоганна Непомука Мельцеля
Немецкий механик, пианист и педагог Иоганн Непомук Мельцель получил патент на свое изобретение 5 декабря. Его конструкция метронома завоевала особую популярность, хотя в начале XIX века у Мельцеля было множество конкурентов, так как идея «музыкального хронометра» носилась в воздухе. Это изобретение не только служило учебным целям, отбивая абсолютно ровные доли такта или целые такты, но и было призвано фиксировать авторскую волю в отношении темпа исполняемого сочинения. До изобретения метронома композитор указывал только характер (весело, живо, широко), а примерный темп зависел от длительности долей такта , но к 1815 году темп все чаще зависел от индивидуальных и даже региональных предпочтений, не говоря уже об акустике помещения. Бетховен был горячим пропагандистом нового изобретения, посвятил Мельцелю канон «Та-та-та» и имитировал звучание метронома во второй части Восьмой симфонии. Однако метрономические указания стоят в малой части всего каталога бетховенских сочинений, а в разных источниках — разные метрономические числа. Другим любителем метрономических чисел был Игорь Стравинский, но его собственные записи одних и тех же сочинений, сделанные в разные годы (1925–1965), также демонстрируют совершенно разные числа. Более того, как показывает история исполнительства в грамзаписи, темпы исполнения тех же симфоний Бетховена (а тем более Мендельсона, Шумана и других романтиков) менялись через каждые 20 лет под влиянием моды, новых возможностей акустики концертных залов, звукозаписи и так далее. Но считать метроном бесполезным изобретением нельзя: это лучшее доказательство того, что музыкальное время, как и любое другое, является довольно условной и субъективной категорией.
1917
В США выходит первая грампластинка с записью джазовой музыки
Рекламная открытка Original Dixieland Jazz Band. 1918 год
В США появляется масса мелких фирм, возникает конкуренция, пластинки дешевеют и становятся лучше качеством. Первая пластинка с записью джазовой музыки записана для компании Victor коллективом белых музыкантов Original Dixieland Jazz Band. Еще пять, записанных позднее, обозначили начало «эры джаза» (Jazz Age), продлившейся все следующее десятилетие. Зародившись в среде чернокожих жителей Нового Орлеана при достаточно туманных (во всяком случае, очень плохо документированных) обстоятельствах, джаз из маргинального искусства стремительно превратился в объект увлечения как серьезных композиторов в Европе и США, так и широких народных масс по обе стороны океана. Гибридная форма музицирования, заимствовавшая элементы блюза, регтайма, музыки духовых оркестров на основе импровизации по установленным формулам, оказалась необычайно восприимчивой и гибкой, способной впитывать и перерабатывать любые влияния.
Джаз и производные формы были основой поп-музыки примерно до 1964 года, хотя сам джаз развивался стремительными шагами, как и кинематограф, и выработал свою внутреннюю потенцию к концу 60-х, после чего развиваться уже перестал и сейчас опять фактически превратился в этакую элитарную попсу, чаще всего в гибридизированных формах типа фьюжна.
Композиция «Tiger Rag» Original Dixieland Jazz Band
Тайные звуки становятся явными
Точно так же, как скворцам до явления Великой Печатной Машинки приходилось вариться в собственном соку, чрезвычайно редко находя новые коленца для своих песенок, музыка до появления средств звукозаписи очень долго оставалась делом местным, национальным, иногда даже семейным и очень медленно меняющимся. Но, как только появились эти самые средства звукозаписи*, границы прорвались немедленно.
Например, в Японии IX века музыкальные произведения принято было хранить в секрете, приемы игры на струнных и духовых инструментах передавались от отца к дочери и от матери к сыну в обстановке строжайшей секретности — вплоть до того, что слугам, оставшимся в доме на время обучения, предписывалось затыкать уши хлопковой ватой.
А если кто-то из аристократических дам или кавалеров, поддавшись просьбам императора, соглашался сыграть в дворцовом саду «Варварскую свирель» или «Из радуги яркий убор, из окрашенных перьев наряд», то потом император еще несколько лет мог хоть упроситься, но паузу держали, чтобы ненароком не запомнил кто секретных переборов, не смог кощунственно повторить.
Первыми, еще до изобретения нот, контрабандистами, коммивояжерами, распространителями музыки стали цыгане. Эта индийская каста музыкантов и певцов моталась по всей Евразии и даже местами по Африке, зарабатывая уличными концертами. Держа уши чутко раскрытыми, цыгане похищали, заимствовали, распространяли и перемешивали мелодии мира. И нет практически ни одной национальной музыкальной культуры, на которую не оказала бы влияния цыганская, то есть изначально интернациональная сборная солянка: Китай, Индия, Средиземноморье, Ближний Восток щедро, хоть и невольно, одаривали друг друга мелодиями и ритмами через цыганские гитары и бубны.
Конечно, и сегодня средний русский, средний американец, средний китаец и средний араб будут любить очень разную музыку (не стоит все же сбрасывать со счетов те самые «ладушки»). Но тысячу лет назад японец и, допустим, сакс вряд ли бы признали музыкальную культуру друг друга музыкой в принципе. Так что сегодня национальные рамки в восприятии музыки стали совсем тоненькими и прозрачными, каждый из нас составляет собственный плей-лист, лишь слегка оглядываясь на свой пол, нацию и возраст.
И хорошая новость: современный человек куда лучше умеет слышать музыку, чем его ровесник XVII, XVIII или даже XIX века. Согласно исследованиям Гарвардского университета, счет идет уже на десятилетия: люди, родившиеся в 90-х годах, лучше воспринимает сложную полифонию, чем уроженцы 80-х, а те обставляют в этом плане поколение 70-х. Что ж, это ожидаемо. Чем больше выбор блюд у слушателя, чем разнообразнее музыка, пробившаяся к его ушам, тем сложнее и прихотливее его вкусы. А появление пластинок, кассет, CD, айподов и айтюнсов превратило весь мир в поистине гигантское сборище меломанов. Способности человечества в плане музыкального восприятия растут год от года.
Так что, может, когда-нибудь мы опять вернемся к самому естественному способу общения для нашего вида и, отказавшись от слов, будем безупречно насвистывать друг другу точную информацию.
1919
В США появляется «долгоиграющее» бродвейское ревю «Скандалы Джорджа Уайта»
Рекламный проспект «Песни из „Zigfeld Follies“ в 1907 году». 1908 год
Основателем бродвейских ревю (с французского — «обозрение») считается Флоренц Зигфелд, еще в 1907 году придумавший серию «Zigfeld Follies» («Безумства Зигфелда») — бессюжетное музыкально-танцевальное представление, созданное по образу и подобию английского мюзик-холла.
Однако привнесение элементов джаза и родственных ему форм принадлежит Джорджу Уайту, открывшему миру самого известного американского композитора Джорджа Гершвина. За ним в сторону джаза последовал и Зигфелд. Новый тип представления явился последним этапом на пути создания классического американского мюзикла, который все дальше отходил от британской и австро-венгерской музыкальной комедии и приобретал оригинальную форму, близкую к современной.
Фред Астер и Джин Келли в фильме «Безумства Зигфелда» (1946), повествующем о шоу «Ziegfeld Follies» Отрывок из музыкальной комедии «Скандалы Джорджа Уайта 1935 года»
1560-е годы
Инструменты скрипичного семейства
Струнные смычковые инструменты из трактата Афанасия Кирхера «Musurgia universalis». 1650 год
Вопреки еще недавно широко распространенному мнению, скрипка не являлась продуктом спонтанного усовершенствования и гибридизации ранее существовавших смычковых (различных виол, фиделя или ребека), а была сознательным изобретением принципиально нового инструмента, соответствовавшего самым свежим (к середине XVI века) данным из области физики и акустики. Четыре струны, настроенные по квинтам , давали возможность быстрой и удобной унификации положения пальцев на грифе. По сравнению с виолой скрипка обладала гораздо более мощным и насыщенным звуком.
https://youtube.com/watch?v=3U94D6yfAjQ
Как и в случае с аналогичными изобретениями, у этого было сразу несколько авторов , а развитие и совершенствование скрипичного строительства в XVII веке привело к появлению в первой половине XVIII века знаменитых инструментов Страдивари и Гварнери. Инструменты виольного семейства получили мощный конкурирующий клан, борьба с которым была проиграна как раз к эпохе Гварнери (вторая четверть XVIII века). Все скрипичное семейство было создано сразу целым комплектом, первоначальный состав которого был такой: сопрановая скрипка, альтовая, теноровая, басовая. Диапазон инструментов приблизительно соответствовал диапазонам певческих голосов — абсолютное господство вокальной музыки и аккомпанирующая роль инструментов в XVI веке все еще были суровой реальностью.
https://youtube.com/watch?v=l-TKnp9zjtY
Позднее тенор выпал из этого комплекта, зато появился контрабас, созданный Микеле Тодини сто лет спустя .
В отличие от многих других инструментов, инструменты скрипичного семейства не претерпели практически никаких изменений в конструкции (не считая конструкции смычка, а также других мелочей вроде формы подставки или замены жильных струн на стальные в ХХ веке).
Около V века до н. э.
Изобретение монохорда
Гвидо д’Ареццо обучает игре на монохорде епископа Теобальда. Миниатюра из кодекса XI века
Изобретение инструмента для точного построения музыкальных интервалов приписывается Пифагору. Впервые его принцип действия был описан Евклидом полтора столетия спустя, но вплоть до эпохи Возрождения монохорд оставался главным инструментом теоретиков. Он представлял собой одну-единственную струну с подвижным зажимом, который двигался на нижней оси, параллельной струне, вдоль всей ее длины сообразно нанесенной на основании шкале делений.
Дело в том что с помощью этого нехитрого прибора пифагорейцы впервые установили математические основания музыкальной гармонии. По мнению греков, музыкальная гармония являлась частью всеобщей гармонии мира, в основании которой лежат числа. С помощью этого прибора были рассчитаны математические соотношения музыкальных интервалов в натуральном строе и разработана теория музыкальных ладов .
Точка отсчета — средневековье
С одной стороны, рождением музыки правильнее было бы считать то время, когда первобытный шаман впервые завел танец вокруг костра, подпевая и аккомпанируя себе притопыванием ног и хлопками рук. Но, с другой стороны, мы так мало знаем о том историческом периоде, что неизбежно попадаем в область сплошных догадок и теоретических построений. Поэтому периодизацию классической музыки принято начинать примерно с 1000 года — с эпохи позднего Средневековья, вплоть до 1600 года — до Возрождения.
Григорианский хорал (от лат. cantus gregorianus — григорианское пение), традиционное литургическое песнопение римско-католической церкви. Исполняется мужским хором в унисон. Является основой ранних форм европейской полифонии
Огромное влияние на все сферы жизни в то время имела церковь. Поэтому нет ничего удивительного, что пение священных текстов стало одним из первых музыкальных направлений. Григорианские хоралы известны по сей день и заслуженно считаются одними из красивейших образцов вокальной музыки.
До 1025 года музыкальные знания, как и во многих других областях, передавались от учителя к ученику. Единого способа звуковой записи не существовало. Но именно этот год стал поистине поворотным в истории музыки. Монах Гвидо д’Ареццо разработал и предложил систему музыкальной нотации, то есть изобрел ноты. Отныне любой музыкант мог прочесть и в точности воспроизвести любую записанную в этой системе мелодию.
Хоральное пение и песенная традиция трубадуров, многоголосые мессы, ставшие первыми полифоническими произведениями, богатейшие аранжировки произведений для церкви и светские мадригалы и мотеты — вот наследие, оставленное нам музыкантами того времени. Еще одним поворотным моментом, а заодно и витком, завершившим ранний период, стало возникновение оперы. Опера — это революционное сочетание музыки и поэтического искусства.
Музыкальные традиции США
Соединенные Штаты Америки – одна из мультикультурных стран, ее музыкальные традиции сложились из сочетания индейской, мексиканской, африканской и европейской культур (последняя была завезена английскими, французскими и немецкими колонизаторами).
Популярные сегодня во всем мире музыкальные жанры ― кантри, блюз, сальса, соул, джаз, регтайм ― родом из Америки. Национальными американскими музыкальными инструментами принято считать:
- струнные щипковые инструменты автоарфу, банджо, гитару, дульцимер;
- пинкольо ― маленькую флейту с 5—6 боковыми отверстиями,
- трутруку — духовой инструмент, по форме похожий на альпийский рог.
Аналогом старинного российского этнического инструмента ― расчески с наложенной на зубья папиросной бумагой ― в Америке служит деревянный или металлический цилиндр с отверстием, закрытым бумажной мембраной.
Факты о музыке
Больше дюжины видов музыкального слуха существует в музыкальной психологии: слух абсолютный, ритмический, внутренний, гармонический, фактурный, архитектонический и т. д. Часть из них является исключительно врожденной особенностью, часть закладывается в первые годы жизни, часть можно развить иногда даже в зрелом возрасте. Но существуют еще такие вещи, как эмоциональное восприятие музыки, как способность вырабатывать дофамин в ответ на определенные звуки в подходящей последовательности, персональные детские инбридинговые связки. В общем, в мире не найдется двух людей с одинаковыми музыкальными пристрастиями.
В Техасском университете в 1980-х годах был проведен опыт. Новорожденных крысят два месяца держали в клетках, в которых иногда включали музыку: одной группе — классическую, другой — атоническую, а третьей — просто шум вентилятора. Потом крыс перевели в другие клетки, где они могли сами нажимать на одну из трех клавиш и слушать любую из записей. Крысам игрушка понравилась, и они часто включали себе музыку. В какой бы клетке крысы ни воспитывались, они слушали поровну классическую и атоническую музыку, а вот клавиша с шумом вентилятора после нескольких коротких проб так и осталась невостребованной.
Всего 2% людей способны практически со стопроцентной точностью определить эмоциональное состояние человека по нескольким произнесенным фразам (причем текст зачитывается в спокойной манере). Эти проценты были высчитаны во время развернутых программ подготовки астронавтов в НАСА: астронавтов заставляли читать текст после тренировки, в момент подъема груза, после проигрыша любимой команды, во время вечеринки и т. д. Именно из этих 2% людей с абсолютным эмоциональным слухом подбирали потом наблюдателей за психологическим состоянием астронавтов в полете.
Запись стрекотания кузнечиков, поставленная на скорости, к которой восприимчиво человеческое ухо, воспринимается нами как торжественный многоголосый хорал. Такую запись cделал композитор Джим Уилсон, дав ей название «God’s chorus of crickets».
Фото: Getty Images; Everett / East News.
Это интересно: История вулканов
1481 год
Впервые использован печатный станок для тиражирования нот
Cтраницы сборника «Сто сладкогласных песен» Оттавиано Петруччи. Венеция, 1501 год
Это сделал итальянец Оттавиано Скотто, напечатав миссал с деревянных досок. Ровно 20 лет спустя, в 1501 году, его соотечественник Оттавиано Петруччи (1466–1539) впервые применил наборный шрифт для печати нот и получил от Венецианской республики 20-летнюю монополию на их издание . Первым нотным изданием Петруччи стал сборник «Harmonice musices odhecaton» («Сто сладкогласных песен»), в котором были опубликованы светские многоголосные сочинения выдающихся композиторов того времени — Обрехта, Окегема, Депре, Тинкториса и других. Вплоть до изобретения грамзаписи и радио нотная печать стала главным и чуть ли не единственным средством распространения музыки в Европе.
1580–90-е годы
Изобретение равномерной темперации
Со времен Пифагора музыка пользовалась натуральным строем . Однако человеческий слух устроен таким образом, что в условиях многоголосия (когда некоторые интервалы берутся певцами или певцом и инструментом совместно) или при переходе из одной тональности в другую мы будем воспринимать некоторые сочетания как фальшивые . Во времена господства вокальной одноголосной музыки все эти перерасчеты в основном оставались на бумаге, но с прибавлением к хору органа, требовавшего точной настройки, начались первые проблемы. С развитием инструментальной музыки в эпоху Возрождения фальшь стала невыносимой. Изобретались различные способы исправления «ошибки природы» — в частности, за счет варьирования ширины основных интервалов. Эта ширина просто-напросто усреднялась до определенного приемлемого значения. Так и родилось понятие темперации, что в переводе с латыни означает «успокоение».
Имелось в виду не столько успокоение как уменьшение числа биений в неприятных на слух диссонансах («как будто воет ужасный волк» — распространенная метафора музыкальных мастеров эпохи Возрождения), сколько успокоение человеческого слуха. Выбирался опорный интервал, чаще всего квинта , и для разных квинт (всего их получается двенадцать) рассчитывалось свое соотношение с оптимальным числом биений, а потом к этой системе приспосабливали и все остальные интервалы. Примерно в такой последовательности и по сей день работают настройщики. Однако в конце XVII века сразу несколько крупных ученых поставили вопрос о создании такого строя, в котором бы все интервалы воспринимались слухом как равные между собой, начиная с самого мелкого — полутона (то есть 1/12 части октавы). Нельзя с точностью сказать, кто был автором формулы расчета равномерной темперации, так как мы встречаем ее у разных авторов.
Как и в случае с другими изобретениями, рассчитанными на унификацию той или иной музыкальной технологии, равномерная темперация дала мощный толчок композиторам, которые стали использовать систему равных полутонов для получения самых смелых звукосочетаний. С другой стороны, равномерная темперация вызвала законные возражения музыкантов-исполнителей, в первую очередь струнников, справедливо утверждавших, что естественные тяготения тонов в строе с равномерной темперацией друг к другу в мелодиях звучат беднее и суше.
По последним данным, еще Бах использовал разные системы неравномерной темперации. Однако все конструкции музыкальных инструментов начиная с середины XVIII столетия строились с учетом темперации равномерной, кроме струнных смычковых, конструкция которых в принципе к этому строю не может быть приспособлена. Последними «натуральными» инструментами симфонического оркестра оставались медные (местами до начала ХХ века), но дальнейшее усовершенствование их устройства также не оставило им шанса. Только в вокальной музыке (везде в фольклоре и иногда в церкви) уцелел натуральный строй.
1927
В США на экраны выходит первый звуковой фильм «Певец джаза»
Кинопрограмма «Певец джаза». 1928 год
Интересно, что сквозной темой фильма было участие героя (Джека Робина), сына синагогального кантора Рабиновича, именно в менестрельном шоу, а не в джазовом коллективе как таковом. Музыка, частично стилизованная под музыку менестрелей, была написана разными композиторами. Уже в следующем году были экранизированы многие бродвейские мюзиклы и ревю; В 1930 году в звуковом, да к тому же цветном фильме «засветился» в буквальном смысле бэнд-лидер Пол Уайтмен со своим оркестром (фильм назывался «Король джаза»). Тот факт, что звуковой кинематограф начался именно с музыкальных фильмов, был закономерен. Язык немого кино не годился для звукового, и прошло какое-то время, пока звук в кино перестал быть проблемой для режиссеров и актеров. Однако и по сей день в национальных кинематографах некоторых стран (например, в Индии) музыкально-зрелищная составляющая остается главной.
Песня «Mammy» из фильма «Певец джаза» в исполнении Эла Джолсона
